Les styles du XIX° siècle – Le style Empire 1803 à 1821

Le style Empire

Un nouveau regard porté sur l’antiquité

Décors drapés fenêtres château de MalmaisonChâteau de Malmaison – Décors drapés en voile style Empire

Le style Empire recouvre la période du règne de Napoléon Bonaparte (1804-1814), il se répand sur toute l’Europe et se prolonge en réalité jusque dans les années 1820.

 Le style Empire s’insère dans le courant européen néo-classique.

Enrichit d’iconographie impériale il se nomme également style Napoléon Ier ou premier Empire pour le différencier du style Napoléon III.

En rappelant l’empire romain (l’aigle impérial) ou la dynastie mérovingienne (les abeilles), l’empereur Napoléon veille à la mise en scène de son image. L’art est mis au service du pouvoir.

Il se fait représenter coiffé d’une couronne de lauriers et vêtu d’une toge pour se montrer tel que Jules César et qu’Auguste.

Les ornements sont à connotation de victoire : aigle, sphinx, victoire ailée, palme et palmette, bouclier, couronne de laurier ou de chêne, griffe de lions…

Châteu Malmaison JoséphineChâteau de Malmaison acquis en 1799 par Joséphine et Napoléon – Appartement de l’Impératrice Joséphine 

chambre empereur malmaisonDécors drapés inspirés par Joséphine afin  de recouvrir des murs peu attrayants  Château de Malmaison, chambre de l’Empereur

Le style Empire est simple, sévère, un brin austère, guère intime, ni cordial ou confortable.

Tout le mobilier de style Empire a quelque chose d’imposant, de massif, de diplomatique.  Il exalte la grandeur et le faste de l’Empire.

Les angles des meubles sont souvent ornés de cariatides (la figure de la cariatide est devenue au cours du XIXe siècle extrêmement lascive, avec des drapés plus moulants, des poses plus suggestives).

Charles Percier Boiserie Empire à décor rouge, motifs dit à l'étrusqueCharles Percier Boiserie Empire dit ‘à l’Etrusque’ – Détail d’une cariatide XIXe siècle

Les campagnes d’Italie et d’Egypte de l’empereur alliées à sont goût pour l’Antiquité romaine sont de grandes inspirations.

On retrouve sur un grand nombre de meubles, des motifs guerriers, inspirés des batailles romaines ou grecques, des couronnes de laurier ou des créatures issues de légendes comme les nymphes.

La suprématie de l’Empereur se traduit par la symbolique animale : le lion, le dauphin, le cygne, le sphinx ou l’abeille apparaissent sur l’ameublement Empire.

Bonaparte passe des commandes considérables de meubles, de bronzes d’ameublement et de soieries, afin de remeubler les palais vidés sous la Révolution, notamment les Tuileries, Saint-Cloud, Fontainebleau et Compiègne.

 

Psyché et fauteuil cygne EmpireFauteuil gondole (série de quatre), avec accotoirs en forme de cygne provenant du boudoir de l’impératrice au palais de Saint-Cloud, par Jacob-Desmalter (vers 1804 – Malmaison)  et psyché Empire

 

Les couleurs de prédilection du style Empire sont très marquées, dans des tons assez chauds : jaune d’or, vert, bordeaux, violet, cramoisi, pourpre. Les tissus sont chatoyants : satin, taffetas, moire, velours, cachemire.

 Rideaux EmpireRideau sur mesure en velours de soie pourpre brodé d’abeilles or

 

Deux architectes, Charles Percier (1764-1838) et Pierre-Léonard Fontaine (1762-1853) qui ont étudié à Rome les monuments de l’Antiquité et de la Renaissance, jouent un rôle fondamental dans la définition et la diffusion du style Empire. Ils sont présentés à Napoléon 1ier par David en 1799, lorsqu’il achète avec Joséphine le domaine de Malmaison qu’il faut réaménager.

 

En architecture, Napoléon fit ériger à Paris de nombreux monuments dont plusieurs à la gloire de la Grande Armée et de ses victoires : L’Arc de triomphe de l’étoile et du Carrousel, la colonne Vendôme, l’église de la Madeleine.  Le pont de pierre à bordeaux, le Fort Napoléon à la Seyne sur Mer, la place de la Paix à Milan…

 

L’impératrice Joséphine

Joséphine de Beauharnais (Marie Josèphe Rose Tascher de La Pagerie 1763-1814)

Joséphine de Beauharnais les rosesImpératrice Joséphine épouse de Napoléon Bonaparte – Peintre préromantique Pierre-Paul Prud’hon

Née à la Martinique dans une riche et aristocratique famille de planteurs, Joséphine de Beauharnais est l’une des femmes les plus raffinées et les plus élégantes de son époque.

Beauharnais est le patronyme de son premier mari, décapité sous la Terreur et père de ses deux enfants, Eugène et Hortense. Ce prénom de Joséphine n’est pas vraiment le sien ; il lui est donné par Bonaparte quand, dans un salon parisien, il a le coup de foudre pour la ravissante créole.

Joséphine de Beauharnais contribue à apporter de la légèreté à l’imposant style Empire dicté par son époux.

Très dépensière, Joséphine participe à définir le style de son époque et devient l’ambassadrice de l’excellence française.

Les commandes de Joséphine, son goût très sûr en matière de décoration d’intérieur et sa connaissance des tissus d’ameublement aident à relancer l’artisanat et les ateliers nationaux.

 Château_de_la_Petite_Malmaison1Château de la petite Malmaison – Décors drapés et rideaux sur mesure dans le style Empire

Construit entre 1803 et 1805 pour Joséphine de Beauharnais, propriétaire du château de Malmaison voisin, le Château de la petite Malmaison était un pavillon de réception attenant à une vaste serre chaude. D’un entretien coûteux, la serre fut démolie dès 1827.

Serres de Joséphine de Beauharnais1

La serre proprement dite, chauffée par douze grands poêles, dans laquelle pouvaient croître des arbres de 5 mètres de haut ;  Joséphine y cultive entre autres des plantes exotiques mais aussi le jasmin, mais aussi la rose, l’hortensia ou la violette de Parme en provenance de la Côte d’Azur.

Ne parvenant pas à donner un héritier à Napoléon, le couple impérial finira par divorcer pour raison d’état. Napoléon dira lors de la séparation qu’ « elle a embelli quinze ans de sa vie »…

Le 2 avril 1810 il épouse l’archiduchesse Marie-Louise d’Autriche qui lui donnera un fils : Napoléon François Joseph Charles Bonaparte connu également sous le nom de Napoléon II Roi de Rome.

Après le premier Empire

Après avoir passé la Restauration et Louis Philippe, le lien sera rétabli avec les Bonaparte, et viendra le Second Empire avec le style Napoléon III.

 

 

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI, Directoire

Si vous aimez le XVIIIe siècle, vous pouvez jeter votre dévolu sur le style Louis XV ou Louis XVI ou encore les deux. Soit en total look soit en métissage classique moderne. Pour une ambiance chic, sereine, reposante, harmonieuse, agréable à vivre et une déco qui dure dans le temps.

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Les motifs ocre des rideaux sur mesure réchauffent et éclairent ce salon aux dominantes bleu et craie

Les motifs ocre des rideaux sur mesure réchauffent et éclairent ce salon aux dominantes bleu et craie.

 

Vous êtes libre de mêler les rondeurs du style Louis XV à la douce rigueur de son successeur ou à des éléments contemporains.
Adopter le style louis XV ou louis XVI, n’est pas forcément synonyme d’un intérieur apprêté, confiné dans le passé. Vous pouvez très bien les associés à d’autres styles et ainsi créer une atmosphère unique. Il doit être à votre image entre ce qu’il vous inspire et la vie que vous vivez aujourd’hui.

Décoration d’ameublement de style néo-classique

Décoration d’ameublement de style néo-classique

Les styles classiques peuvent être décliné de multiple façon : en métissage, moderne, contemporain, classique …

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Coussins décoratifs sur mesure, rideaux et tringles sur mesure

Coussins décoratifs sur mesure, rideaux et tringles sur mesure

On s’inspire des formes ou des objets anciens, on les modernise avec de la couleur, des matériaux contemporains …

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Stores bateau sur mesure, voilages sur mesure

Stores bateau sur mesure, voilages sur mesure

Eléments typiques pour une décoration intérieure néo-classique : La présence de moulures au plafond, d’une rosace dans le centre d’une pièce sous laquelle est accroché un lustre en cristal. Des panneaux aux murs, des frises, frontons, ou de colonnes dans les pièces. Le sol est en parquet ou en tomettes. Les murs peints, tapissés ou en pierre apparente. Les murs sont ornés de miroirs, de cadres et tableaux classiques (peinture, reproductions, lithographies)

Quand on parle de classique aujourd’hui, on parle donc d’un style de décoration inspiré du classicisme : classique chic, néoclassique, moderne classique, à la française… Autant de noms sont donnés à ce style chic, élégant.

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-couleurs sont sobres et douces dans les tons de gris, beige, ivoire, crème, lin, marron, taupe

 

Les couleurs sont sobres et douces dans les tons de gris, beige, ivoire, crème, lin, marron, taupe … Mais rien ne vous empêche de jouer avec les contrastes et les couleurs très lumineuses. Les objets sont raffinés avec des ornements et des détails précieux. Les matériaux sont aussi délicats (porcelaine, verre …).

Incontournables dans le style classique : les lampes à poser, sculptures et bustes, bougeoirs, paravents, horloges, bonbonnières, plats décoratifs, photophores, chandeliers sans oublier les tapis.

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Les murs sont ornés de miroirs, de cadres et tableaux classiques (peinture, reproductions, lithographies)

Les murs sont ornés de miroirs, de cadres et tableaux classiques (peinture, reproductions, lithographies)

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Le style Directoire nous invite au voyage dans l’antiquité étrusque et égyptienne

Le style Directoire nous invite au voyage dans l’antiquité étrusque et égyptienne

Décoration d’intérieur inspiration Louis XV, Louis XVI-Le style provençal décliné dans un style Louis XV transition est synonyme de douceur de vivre

Le style provençal décliné dans un style Louis XV transition est synonyme de douceur de vivre …

Décoration Provençale style XVIII° siècle

Décoration Provençale style XVIII° siècle

 

Si vous souhaitez en savoir plus sur l’histoire des styles Louis XV et Louis XVI :
http://www.beatrice-creations.fr/les-styles-du-dix-huitieme-siecle/
http://www.beatrice-creations.fr/les-styles-du-dix-huitieme-siecle-suite-et-fin/

Les styles du dix-huitième siècle

Le style Louis XV

1---Jean-Honoré-Fragonard---Jeune-fille-délivrant-un-oiseau-de-sa-cage,-La-lectrice,-Les-hasards-heureux-de-l’escarpolette

 

Le style Louis XV est généralement divisé en trois phases chronologiques :

  • Une phase dite de « préparation » avec le style Régence qui s’étend entre 1715 et 1730,
  • Une phase dite « d’épanouissement », qu’on assimile au style Louis XV proprement dit (1730-1750) et qui correspond au style rocaille, rococo
  •  Une phase de « réaction », baptisée style Transition (1750-1774) (Style Pompadour). Réaction progressive qui passe par un assagissement, une épuration des formes rocailles et qui débouche sur le style Louis XVI et le néoclassicisme.

 

 

Le style Régence 1715-1730

La principale évolution du siège Régence concerne l’accotoir. Jusqu’ici placé dans l’alignement des pieds, il est reculé pour permettre aux femmes qui portent désormais des robes à panier d’être assise confortablement.
Le décor sculpté reste symétrique mais adopte les motifs favoris de la Régence : feuillages, volutes, guirlandes, coquilles … On le retrouve généralement sur les traverses de l’assise et du dossier ainsi que sur les pieds du siège Régence. Ces derniers sont galbés et présentent un fort renflement, ils se terminent souvent par un pied de biche ou par des enroulements.

Typiques de la Régence, le choix d’un dossier encadré d’un châssis en bois apparent puis la disparition progressive de l’entretoise.

 2---Fauteuil-Régence---Les-pieds-réunis-par-une-entretoiseFauteuil Régence – Les pieds réunis par une entretoise

 

Charles Cressent (1685-1768), est un maître ébéniste du XVIIIe siècle, principal représentant du style Régence.

 

3---Commode-Régence-en-bronze-doré---Charles-Cressent-–-Paris-1745-1749Commode Régence en bronze doré – Charles Cressent – Paris 1745-1749

 

 

 

Le style Louis XV ou style rocaille (rococo) 1730-1750

Du style Régence est né le style Louis XV connu sous le nom de rocaille ou rococo.
Il diffère essentiellement du baroque par sa légèreté et son horreur de la symétrie.

Opposée à la rigueur classique, le style rocaille triomphe et s’inspire des rythme tortueux des grottes qui depuis deux siècles déjà sont à la mode dans les jardins. Constructions de rochers, de coquillages et de terres émaillées.

 Dans le contexte de cette époque, les esprits changent et cela se marque dans la conception de l’espace qui est soumis à un besoin de confort. On voit apparaître des petits appartements et les pièces plus petites, plus intimes comme des boudoirs, des petits salons, des cabinets qui se multiplient.

Les ornemanistes Nicolas Pineau, Juste-Aurèle Meissonnier mettent à la mode le vocabulaire rocaille. D’abord fondé sur l’asymétrie et des galbes prononcés, le style s’assagit vers 1745 et laisse place à la symétrie. Il met à l’honneur la nature : fleurs, feuilles d’acanthe, coquilles ornent les meubles, en marqueterie ou e n bois naturel, et les sièges.

 4---Boiseries-de-Nicolas-Pineau---Hôtel-de-Varengeville,-vers-1735-Style-rococoBoiseries de Nicolas Pineau – Hôtel de Varengeville, vers 1735 Style rococo

 

 

5---Hôtel-de-Soubise,-salon-de-la-Princesse-(1737-1740)-Style-rococoHôtel de Soubise, salon de la Princesse (1737-1740) Style rococo

 

 

Le style Louis XV Transition 1750-1774 le style Pompadour

Le style Transition correspond à la première partie du style Louis XVI.

Quand le style Louis XV atteint sa maturité autour des années 1750, face aux excès du rococo, certains artisans reviennent à la rigueur et à la symétrie, fortement inspirée du monde gréco-romain. Les découvertes d’Herculanum (1738) et de Pompéi (1748), poussent les élites à se passionner pour les civilisations antiques et contribuent à créer un nouveau style plus épuré.

Le style Louis XV évolue vers un certain assagissement dans les formes et surtout vers une réelle simplification de ses motifs traditionnels.
Libéré de ses premières exagérations et de l’agitation qui le caractérisait, le style Louis XV adopte des courbes plus amples au rythme plus calme.

6---Maître-Jean-François-Oeben-Table-à-écrire-Louis-XV--bronze-doré-monté-de-bois-de-violette,-marqueterie

7---Maître-Jean-François-Oeben-Table-à-écrire-Louis-XV--bronze-doré-monté-de-bois-de-violette,-marqueterieMaître Jean-François Oeben Table à écrire Louis XV  bronze doré monté de bois de violette, marqueterie

 

Certains artisans travaillant dans ce pur style Louis XV, nous ont légué quelques uns des plus parfaits exemples de raffinement qu’a connu le mobilier français au cours de son histoire.

 Le plus connu des ébénistes de cette époque est probablement Oeben, dont l’apprenti n’est autre que le célèbre Riesener, chantre du futur style Louis XVI, peut-être le plus grand artisan de tous les temps. D’autres noms fameux sont Baumhauer, Lacroix, Dubois, Saunier, Leleu et B.V.R.B.

 

8---Jean-Henri-Riesener-et-Jean-François-Oeben---Bureau-du-Roi---secrétaire-cylindre

Jean-Henri Riesener et Jean-François Oeben – Bureau du Roi – secrétaire cylindre

 

 

 

9---Jean-François-Leleu--Bureau-à-cylindre-1767-1770

Jean-François Leleu  Bureau à cylindre 1767-1770

 

 

 

Tissus Louis XV

La majorité des étoffes sont en soie, on retrouve le damas, le lampas, le brocard, les étoffes brochées, le taffetas, la moire et toujours le velours.

 

Architecture Louis XV

On ne voit plus grand mais on construit douillet.

Philippe d’Orléans déplace la Cour de Versailles vers Paris. Ce qui a pour conséquence le ralentissement, voire l’arrêt des grands travaux qui étaient réalisés à Versailles depuis le règne de Louis XIV. A côté des édifices officiels, s’élèvent des constructions particulières, des hôtels, des demeures.

Le plan des hôtels particuliers et des châteaux de plaisance reste quasiment inchangé mais ils sont dessinés de manière beaucoup plus libre, ce qui permet à chaque pièce d’avoir une forme mieux adaptée à sa destination. Cependant son influence sur l’architecture française n’est pas importante.

 

Hôtel de Biron (Paris, 1728)

Aubert

10---Proche-de-l’hôtel-des-Invalides,-aujourd’hui-connu-sous-le-nom-de-musée-Rodin

Proche de l’hôtel des Invalides, aujourd’hui connu sous le nom de musée Rodin, cet hôtel particulier est édifié par l’architecte Jean Aubert dans un style Louis XV sur un terrain de trois hectares de 1727 à 1732 pour le financier Abraham Peyrenc de Moras.

 

 

Madame de Pompadour (1721-1764)

UNE FAVORITE PROTECTRICE DES ARTS

La marquise de Pompadour est née Jeanne-Antoinette Poisson, en 1721. Issue d’une famille de la bourgeoise montante liée au monde des finances, elle bénéficie d’une éducation choisie et raffinée.

 11---Maurice-Quentin-Delatour-(Saint-Quentin,-1704---Saint-Quentin,-1788)

Maurice-Quentin Delatour (Saint-Quentin, 1704 – Saint-Quentin, 1788)
Le portrait de la marquise de Pompadour
Pastel avec rehauts de gouache sur au moins huit feuilles de papier bleu dont un empiècement pour le visage, collées en plein sur une toile tendue sur châssis
Paris, musée du Louvre, département des Arts graphiques
© Erich Lessing

Madame de Pompadour, maîtresse, amie et conseillère de Louis XV, reste auprès de lui jusqu’à sa mort en 1764. Introduite à la Cour par relations, elle est remarquée par le Roi et devient rapidement l’une de ses favorites préférées. A partir des années 1750, elle cesse d’être la maîtresse du Roi mais conserve une grande influence sur celui-ci.  Louis XV fait construire pour elle le Petit Trianon.

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Salon de compagnie – Petit Trianon- Marquise de Pompadour et Louis XV

 

Elle était un grand mécène des artistes et artisans de l’époque, en faveur des peintres comme François Boucher et les fabricants de meubles, comme Jean-François Oeben.

Elle a également été en grande partie responsable de l’appui du roi de la manufacture de porcelaine de Sèvres, qui existe encore aujourd’hui.

13---Appartement-de-Marquise-de-Pompadour-Château-de-Versailles

Appartement de Marquise de Pompadour Château de Versailles

 

Même si elle est identifiée avec le style rococo, elle était à la cour à un moment de transition stylistique loin du rococo et vers un néoclassicisme plus sobre. Vous pouvez voir la preuve dans certains meubles des années 1760 dont les courbes sont moins exubérantes et des formes plus symétrique.

 

Peinture

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) Né à Grasse

À l’instar de François Boucher, Fragonard est considéré comme le peintre de la frivolité, du Rococo, bien qu’il ait peint dans de nombreux autres registres : grands paysages inspirés de peintres hollandais, peintures religieuses ou mythologiques, ou scène de bonheur familial notamment.

14---Jean-Honoré-Fragonard---Jeune-fille-délivrant-un-oiseau-de-sa-cage,-La-lectrice,-Les-hasards-heureux-de-l’escarpolette

Jean-Honoré Fragonard – Jeune fille délivrant un oiseau de sa cage, La lectrice, Les hasards heureux de l’escarpolette

 

Mais même ces scènes effectivement frivoles peuvent être lues à un niveau différent, on peut y voir percer, souvent, une inquiétude, un sentiment de fin de fête parfois (et cela rappelle Watteau ou encore le roman Point de lendemain par Vivant Denon), ou encore une menace diffuse : les couples dans l’intimité, les belles qui s’épouillent, les endormies, tout ce petit monde de grâce et de sympathie est observé par un peintre qui nous rappelle que la jeunesse ne dure pas et que les moments de tendresse lascive sont fugaces et rares.

Il a essayé en vain de s’adapter à la nouvelle vogue néoclassique, mais en dépit de l’admiration et le soutien de David, il a été ruiné par la Révolution et mourut dans la pauvreté.

 

Musée Fragonard à Grasse dans les Alpes Maritimes 06 :
http://www.fragonard.com/parfums_grasse/FR/fragonard/grasse/musee_fragonard_costa.cfm

 

 

 

 

 

 

Après l’Art nouveau : l’Art Déco

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Autant les formes de l’Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient exemple sur la nature, autant l’Art déco s’est tourné vers des formes épurées et essentiellement géométriques. La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaître progressivement au profit de l’angle droit, notamment avec le courant De Stijl.

L’Art Nouveau est futuriste en ce qu’il rejette le passé et met l’accent sur l’originalité. Il ne peut cependant pas résoudre les problèmes du dessin de notre temps : celui d’une reproduction en grande série.
Le terme même « Art déco » est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes qui a lieu à Paris en 1925.

 

 

La période Art déco désigne le style le plus reconnaissable de l’entre-deux-guerres.

L’Art déco s’inscrit dans le prolongement de l’Art nouveau en s’y opposant par la forme pour des raisons fonctionnelles, et prend son essor en France dans les années 1920 à 1930. Le style Art Déco exprime avant tout la modernité par des formes géométriques et épurées. Cela correspond à une industrie en mutation, à une évolution des transports, à une nouvelle société qui se met en place.
La période Art déco désigne le style le plus reconnaissable de l’entre-deux-guerres.

 

Deux tendances très différentes coexistent :
- La tendance traditionaliste qui reste initialement le style « Art déco » luxueux d’une clientèle fortunée. Les meubles sont donc des pièces uniques reprenant en grande partie les formes réputées classiques, comme les styles Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe mais imprégné du cubisme et du fauvisme. Les sièges sont souvent d’inspiration Directoire ou Restauration.
- La tendance moderniste, fonctionnelle, sans décor, c’est le début du design, qui recherche une production industrielle, pour une clientèle de masse (l’Union des Artistes Modernes).

 

 

L’Art déco est le premier style à avoir eu une diffusion mondiale.

Comme une traînée de poudre, l’Art Déco se répand aux quatre coins du monde, de New York à Chicago, de Tokyo à Shanghaï, de Saïgon à Hanoï, de Tunis à Casablanca. Partout, ce sont les mêmes lignes droites, les mêmes façades, les mêmes colonnes.
Grand Rex Paris, Carbide & Carbon Building à Chicago, Chrysler Building New York
Grand Rex Paris, Carbide & Carbon Building à Chicago, Chrysler Building New York
Cette époque s’éteindra peu à peu à partir du crash boursier de 1929 jusqu’à 1939 et sera supplanté par le mouvement moderne ou modernisme, par l’influence grandissante du Bauhaus  puis par le style international qui caractérise une grande partie de l’architecture des Trente Glorieuses : la production en série, qui annonce déjà la société de consommation que nous connaissons, le beau à moindre coût.

 

 

Comment reconnaître l’Art déco ?

Ordre, couleurs, géométrie.
L’Art déco aime les contrastes de couleur : les couleurs sont vives et contrastées, les associations de couleurs : orangé, vert, noir et or. L’influence du Fauvisme est déterminante : la couleur pure, utilisée en à plat, devient un élément structurant du décor.

Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs ou arrondis ou à pans coupés. Le cercle et l’octogone sont également appréciés. Les formes sont épurées.

Les matériaux rares ou précieux : l’ivoire, l’albâtre, les essences exotiques ou précieuses comme la loupe d’orme ou de noyer, ronce de noyer, palissandre, sycomore, mais aussi le bronze ou le laiton doré, chromé ou nickelé, les surfaces de verre pressé dans un moule et la bakélite font leur apparition …

Certains motifs à caractère géométrique sont déclinés à l’infini : le chevron, l’éventail, le zig-zag, la demi-lune, le quart de lune ou encore, le soleil rayonnant, la corbeille de fruits.

 

 

Quelques œuvres Art déco

ARCHITECTURE

L’architecture évolue considérablement, elle devient fonctionnelle. Elle revendique la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle : la forme doit exprimer la fonction du bâtiment, sans ornement superflu.
Le béton armé devient d’utilisation courante; il se prête à toutes les formes.

 

Pierre Patout (1879-1965)

Architecte et décorateur, il a aménagé trois paquebots transatlantiques de la Compagnie générale transatlantique, l’Ile-de-France et l’Atlantique en 1925, et atteindra son apogée avec Le Normandie en 1935, chef d’œuvre incontesté et inégalé de l’art décoratif français de l’entre-deux-guerres.
Pavillon du collectionneur, Porte de la Concorde, Immeuble paquebot
Pavillon du collectionneur, Porte de la Concorde, Immeuble paquebot

Pierre Patout a construit la Porte de la Concorde, le pavillon de la Manufacture de Sèvres et le pavillon du Collectionneur (pour l’ensemblier Jacques-Emile Ruhlmann) à l’Exposition des Arts décoratifs de 1925. Mais sa réalisation la plus emblématique est l’immeuble du 3 boulevard Victor dans le XVe arrondissement, surnommé « le Paquebot » (1934). Patout est aussi l’architecte des Galeries Lafayette et de la chaîne des magasins de vin Nicolas.

 

Le Corbusier (Charles-Édouard Jeanneret-Gris) (1887-1965)

Architecte, urbaniste, décorateur, sculpteur, théoricien, homme de lettres c’est l’un des principaux représentants du mouvement moderne en architecture avec, entre autres, Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius (Ecole Bauhaus), Alvar Aalto et Theo van Doesburg. L’Art déco, dans sa tendance moderne, est rattrapé en aval par le radicalisme d’un Le Corbusier qui, dans l’Art décoratif d’aujourd’hui, demande à «chaque citoyen de repeindre ses murs en blanc».

Le Corbusier est connu pour être l’inventeur de ce qu’il nommera « l’unité d’habitation ». Elle ne prendra forme qu’au moment de la reconstruction qui suit la Seconde Guerre mondiale, pour une solution aux problèmes de logements. Le Corbusier plaide pour une architecture rationnelle et industrialisable et affirme que « la maison est une machine à habiter ». Sa conception envisage dans un même bâtiment tous les équipements collectifs nécessaires à la vie dans un même lieu.

1922-1931 Au temps des « villas blanches »

La décennie 1920-1930 le voit réaliser un ensemble remarquable de projets de villas, d’ateliers.
Maison-atelier Ozenfant 1923, Villa La Roche 1923-1925, Villa Savoye 1928-1931
Maison-atelier Ozenfant 1923, Villa La Roche 1923-1925, Villa Savoye 1928-1931

 

Mobilier Le Corbusier

En collaboration avec Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand le mobilier très en pointe pour la fabrication industrielle, il faudra attendre 1965 pour qu’un industriel du luxe italien, Cassina, produise en modeste série quelques-unes de leurs œuvres.
Fauteuil LC2, Chaise longue LC4, Fauteuil à dossier basculant LC1 Le Corbusier - Charlotte Perriand 1925-1928
Fauteuil LC2, Chaise longue LC4, Fauteuil à dossier basculant LC1 Le Corbusier – Charlotte Perriand 1925-1928

Le fauteuil Le Corbusier constitue un bon exemple de dessin fonctionnel, aucun effet n’est recherché. L’idéal du grand architecte est un mobilier qui remplit une fonction anonyme à l’intérieur d’un cadre architectural.

 

Exemple d’architecture  de style Art déco à Nice

On trouve de nombreux immeubles Art déco sur la ville de Nice comme partout en France et dans le monde, en passant des palais majestueux aux immeubles d’habitation, gares, postes…
Façades du Palais de la méditerranée à Nice style Art déco 1927-1928 -Les années folles-

Façades du Palais de la méditerranée à Nice style Art déco 1927-1928 -Les années folles-

Uniquement les deux façades du Palais de la méditerranée à Nice ont été sauvegardées. Ils abritent aujourd’hui un hôtel de luxe et un casino dont la décoration d’intérieur est de style art déco.

Sa façade monumentale Art déco, sculptée par Satori est aujourd’hui classée monument historique.
L’usage du béton armé permet des élévations et des portées jamais égalées jusque-là.

 

 

MOBILIER

La sculpture disparaît des meubles pour être remplacée par les placages de bois précieux, l’incrustation et la marquèterie.

 

Jacques-Émile Ruhlmann (1879-1933)

Décorateur et ensemblier, autodidacte, Jacques-Émile Ruhlmann dessine des meubles  épurés et élégants aux lignes tendues qui sont exécutés par des artisans du faubourg Saint-Antoine.
Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.

 

Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.
En 1910, Ruhlmann opte sans hésiter pour une production de prestige, destinée à une clientèle constituée de couturiers, comédiens, écrivains à la mode, banquiers, industriels. Il utilise des essences rares comme le palissandre venu des Indes et du Brésil, l’ébène de Macassar venant d’Indonésie, l’amarante de Guyane, l’acajou de Cuba il plaque ses meubles de Loupe d’Amboine de Birmanie les marquette d’ivoire, les gaine de cuir, de galuchat (peau de raie), de peau de crocodile.
Fauteuils Club Jacques-Emile Ruhlmann
Fauteuils Club Jacques-Emile Ruhlmann

Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes.
Le bois est peu apparent et souvent dissimulé par un revêtement en cuir ou en textile.

 

Jean Dunand (1877-1942)

Artiste aux multiples talents, il fut à la fois sculpteur, dinandier, laqueur, mosaïste, orfèvre, et architecte d’intérieur.
Jean Dunand (1877-1942)

 

Artiste pluridisciplinaire, Jean Dunand compte parmi les plus grands créateurs Art déco.
En 1912, il fait l’apprentissage du travail de la laque, technique qu’il utilisera pour décorer des paravents, panneaux, meubles, vases, et pour réaliser des portraits. Il est également renommé pour sa participation à la décoration intérieure des paquebots L’Atlantique et Normandie.

 

VERRERIE

René Lalique (1860-1945)

Après la fin de la Première Guerre mondiale, les bijoux Art nouveau très colorés, très fantastiques de Lalique n’étaient plus dans l’air du temps. Le créateur le sent et décide de se reconvertir, et dès 1920, il se tourne vers l’Art déco.
René Lalique (1860-1945)
Bouchon de radiateur Citroen 5 cheveaux,  Panneaux de verre « Figure et Raisins » – Orient Express, Bouquet Art déco de René Lalique dans l’Orient Express

Il va ainsi créer de nombreux objets tels que vases, coupes, chandeliers, flacons à parfum, bouchons de radiateurs pour la 5 CV Citroën en 1925, décorations d’intérieur des wagons-restaurants de l’Orient Express en 1929, décoration d’intérieur de la salle à manger des premières classes du paquebot Normandie en 1936 et les fontaines des Champs-Élysées.

 

Peinture

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Peintre d’origine polonaise, Tamara est contemporaine de l’Art déco. Elle crée ses plus belles œuvres de 1925 à 1935. Sa carrière et sa vie sont plus que liées à ce mouvement dont elle est la plus célèbre représentante.
Illustration des Années folles, sa vie très mondaine et théâtrale est une succession de mises en scène donnant le premier rôle à la modernité et au luxe. L’esthétique est en tout cas au cœur de ses oeuvres et les critères de beauté sont souvent récurrents. Ce sont pour la plupart des portraits hautains à sensualité distante.

La figure de la « garçonne » comme caractéristique marquante de l’Art déco va donner à Tamara de Lempicka une position prépondérante dans ce mouvement, au point d’en faire son égérie.
Tamara de Lempicka (1898-1980
Des couleurs vives, mais en nombre limité, derrière une stylisation néo-cubiste, qui l’a situe parfaitement dans son temps, les portraits de Tamara de Lempicka ne négligent aucune des magistrales recettes de composition qui furent élaborées par ses grands prédécesseurs de la Renaissance italienne.

Art nouveau

Art nouveau (1890-1914), l’art de la belle époque

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L’Art nouveau a pour ambition de fonder un style qui ne doive rien au passé. On veut rompre avec les traditions des arts du décor du Second Empire qui reprend en plus massif les styles des siècles précédents.

Il va se répandre très rapidement à l’international et dans de nombreuses villes

  • Modern Style
  • Art nouveau en Belgique et en France,
  • Jugendstil en Allemagne,
  • Sécession en Autriche,
  • Stile floreal en Italie,
  • Modernismo en Catalogne,
  • Fonctionnalisme aux Etats-Unis, entre autres.

 

En France, l’école de Nancy

A l’approche du 20e siècle, un profond renouveau des formes marque les arts décoratifs européens. A Nancy, l’Art nouveau connaît un développement exceptionnel et la capitale lorraine joue un grand rôle au sein de ce mouvement artistique.
Dans cette recherche artistique, Emile Gallé (1846-1904) joue un rôle influent de précurseur et donne son impulsion décisive au « Style 1900 ».

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Le musée de l’école de Nancy présente plusieurs ensembles décoratifs remarquables: le bureau Kronberg et la chambre Corbin de Jacques Gruber, la chambre André ou le salon Gauthier-Poinsignon …

La variante du style Art nouveau la plus répandue est sans doute celle que l’on appelle florale, inspirée du japonisme.
Samuel Bing, mécène, marchand et éditeur d’une revue artistique, « Le Japon artistique », influence la diffusion de l’Art Nouveau.
En 1895, il ouvre à Paris une galerie : la Maison de l’art nouveau. Précurseur français du mouvement, qui sera baptisé, comme son magasin, l’Art nouveau.

 

Comment reconnaître le style Art nouveau ?

La caractéristique de l’Art nouveau est l’absence de toute ligne droite et de tout angle droit. Les lignes qui se courbent coulent à l’infini, les formes s’enflent et se désenflent. C’est la nature qui sert de modèle.

La plupart des œuvres de l’Art nouveau ressemblent à des organismes vivants. Les lignes végétatives courbées créent une impression de légèreté et de charme.

Les motifs qu’on retrouve le plus souvent sont des fleurs, des plantes, des arbres, des insectes ou des animaux.
En outre, les artistes apprécient le corps féminin comme élément décoratif, surtout avec de longs cheveux, coulant dans de longues vagues molles.
Les silhouettes féminines d’Alfons Mucha ornent nombre d’affiches de théâtre.

Les éléments fondamentaux de l’Art Nouveau sont la couleur, le verre, les grands vitraux, la lumière naturelle et dans l’architecture, le fer.

Les artistes ont mélangé les anciens matériaux, tels que le bois et la pierre, avec des nouveaux, comme l’acier et le verre.

 

 

Quelques oeuvres emblématiques Art nouveau

 

ARCHITECTURE

Henri Sauvage (1873-1932)

Instigateur de l’Art nouveau, inventeur de l’Art déco, il renouvelle sans cesse ces techniques.
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Maison résolument Art nouveau à Nancy. En 1898, Louis Majorelle confie à l’architecte Henri Sauvage l’élaboration des plans de sa maison personnelle à Nancy.

 

Antonio Gaudi (1852-1926)
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Un exemple des plus connus du modernisme catalan : Casa Battlo à Barcelonne

 

Hector Guimard (1867-1942)

Connu principalement pour ses entrées du métro parisien, Hector Guimard dessina aussi des villas comme le Castel Bérenger à Paris, des hôtels particuliers des immeubles de rapport et créa également les décorations intérieures, meubles et objets divers, le tout dans un style raffiné très personnel.

Moulurations et remous nerveux investissent tous les matériaux. Il crée avec virtuosité de véritables compositions abstraites.

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Entrées du métropolitain (métro) parisien, façade et entrée du Castel Bérenger, Canapé pour un fumoir

 

 

EBENISTERIE

Louis Majorelle (1859-1926)

Entre mobilier et ferronnerie d’art.

Depuis les prémices de l’Art nouveau jusqu’à celles de la modernité des années 30.
Il continue dans le même style après la guerre de 1914 malgré le changement de mode vers l’Art Déco.

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Mobilier Art Nouveau Louis Majorelle : Meuble à musique, Buffet aux algues, Vitrine, Canapé

 

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Rampe d’escalier pour l’hôtel Bergeret, et balustres des étages inférieurs des Galeries Lafayette à Paris, sont signées Louis Majorelle.

 

Eugène Vallin (1856-1922)

Créateur artiste, il réalise un travail personnel de mobilier, de façades pour les notables de Nancy.

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Bureau, porte affiches, façades en bois Art nouveau par Eugène Vallin

 

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Exemple d’une villa Art nouveau à Nice.
Villa Collin-Huovila d’architecture Art nouveau situé sur la promenade des anglais à Nice

 

VERRERIE D’ART / JOAILLERIE

Emile Gallé (1846-1904)

Il est beaucoup inspiré par l’art japonais qu’il traduisait dans les décorations et dans les formes.
Emile Gallé vouait une admiration extrême et extatique pour la nature. Pour lui, la nature procède directement du divin, et la multiplicité de ses formes, de ses couleurs sont l’expression de la multiplicité et de l’infinité de Dieu. C’est en cela que Gallé considérait que chaque chose, chaque objet est, et doit être unique.

Il avait une grande admiration pour l’artisanat, dont il plaidait le retour, et il détestait les objets produits en série.

Emile Gallé est très inspiré par la littérature symboliste, notamment par Charles Baudelaire et lui emprunte des motifs de décoration explicités par des citations gravées sur ses meubles ou vases.

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Vases Emile Gallé

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Les meubles Emile Gallé se distingue par le fait qu’ils ne sont composés qu’à partir d’éléments empruntés à la nature

 

Louis Comfort Tiffany (1848-1933)

Artiste américain, il a conçu et créé des bijoux, des lampes en verre, et des vitraux.
Sa technique pour le vitrail délaisse le sertissage traditionnel au plomb par un enrobage des vitraux avec un ruban de cuivre autocollant sur lequel est appliqué de la graisse à soudure afin de faciliter l’adhérence de l’étain de soudure.
En architecture d’intérieur il a conçu l’aménagement de plusieurs maisons et appartements dont certain salons de la Maison Blanche.
Son style se caractérise par l’emploi du verre (mosaïques, vitraux…) ainsi que par le goût pour l’orientalisme.

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Bijoux, lampes et vitrail Tiffany

 

René Lalique (1860-1945)

Bijoutier de la belle époque

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Joaillier, dessinateur, décorateur d’intérieur et maître verrier, René Lalique, joaillier exceptionnel et grand maître du verre, compte parmi les grands créateurs de l’Art nouveau puis de l’Art Déco aux style complètement opposés.

Inspiré par l’Art Nouveau, il travaille sur le verre, la corne, l’émail et marie les matières en jouant sur la perspective et la lumière. La faune, la flore et les femmes l’inspirent ainsi que les découvertes industrielles.

A ses yeux, mieux vaut la recherche du beau que l’affichage du luxe. Lalique, travaillent avec des matériaux simples, dont la valeur est dans l’objet fini.

À ses débuts, les bijoux avant-gardistes de René Lalique plaisent principalement à une élite intellectuelle et artistique, éloignée des conventions, puis à Sarah Bernhardt, qui lui achète ses créations conçus en fonction de ses rôles, ce qui lui assure gloire et notoriété.

Puis, Calouste Sarkis Gulbenkian, financier, magnat du pétrole, qui est aussi un collectionneur averti acquiert quelques cent cinquante bijoux et objets d’art, œuvres exceptionnelles que l’on peut aujourd’hui admirer à la Fondation qui porte son nom à Lisbonne.

Emile Gallé l’admire et le voit comme l’inventeur du bijou.

Il participe à l’Exposition universelle de 1900 de Paris, qui lui établit une réputation internationale.
Qui dit succès, dit également tentatives d’imitation.
Lalique, inventeur qui ne veut suivre personne, va rencontrer François Coty, qui va l’amener non seulement à créer mais aussi à produire des flacons de parfum, ce qui lui ouvre de nouveaux horizons.

 

 

ARTS GRAPHIQUES

Alfons Maria Mucha (1860-1939)

Artiste peintre tchèque, il créa essentiellement des affiches publicitaires représentant des femmes séduisantes aux chevelures flottantes et aux vêtements souples.

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Gustav Klimt (1862-1918)

Peintre symboliste autrichien, son œuvre comprend 230 tableaux, dont 54 tableaux représentant des paysages. Klimt est connu pour son utilisation de l’or dans les peintures, qu’il découvre après avoir vu des mosaïques byzantines de Ravenne.

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La fin de l’Art nouveau

Le mouvement Art nouveau s’essouffle dans les années 1910 et il décline définitivement au début de la première guerre mondiale, laissant place à l’Art Déco…

Dans la mesure ou l’Art nouveau se développe dans l’idée d’une opposition plus ou moins ferme à l’essor industriel, on peut aussi interpréter le style comme une lutte entre l’organique contre la machine.

L’inspiration de la nature en Art nouveau a inspiré elle-même énormément d’artistes contemporains.

Cela se retrouve notamment dans le mobilier moderne Isamu Noguchi en quête de formes organiques.
François-Xavier et Claude Lalanne montrent que l’organique constitue toujours une influence dans Arts décoratifs.

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Mobilier François-Xavier et Claude Lalanne

Portières – Rideaux de porte d’entrée

Habillez votre porte d’entrée

Les portières sont des rideaux que l’on pose devant une porte d’entrée d’un appartement ou bien sur une porte de hall d’entrée d’une maison afin de l’isoler du bruit de l’extérieur, mais aussi du froid et des courant d’air. Ces rideaux spécifiques servent d’isolement phonique tout comme les portes capitonnées.

Les portières ou rideaux de portes sur mesure ont également  des propriétés esthétiques puisqu’ils embellissent et réchauffent le hall d’entrée ou le couloir en lui apportant une touche vraiment personnelle. Le rideau de porte peut tout aussi bien embellir une porte d’entrée vieillissante ou abîmée.

Pour la pose de rideau portière en tissu, une tringle classique ne convient pas forcément à toutes les configurations. En effet, le rideau va gêner l’ouverture et la fermeture de la porte d’entrée. Le même problème se rencontre aussi pour la pose de rideaux dans un renfoncement ou sur une lucarne.

La tringle pivotante assure un accompagnement mécanique parfait de la portière avec la porte dans ses mouvements d’ouverture et de fermeture. Le rideau suit le mouvement de la porte. D’un encombrement très réduit, le mécanisme disparaît sous le rideau et permet de masquer entièrement la porte.

Cependant, il existe aussi des configurations où des portes fenêtres de hall d’entrée qui nous invitent à passer dans une autre pièce. Il est alors intéressant d’un point de vue visuel et esthétique, de pouvoir délimiter l’espace par des rideaux. Dans ce cas de figure la tringle à rideaux n’a pas besoin d’être pivotante.

Dans tous les contextes, les portières ou rideaux de portes peuvent êtres doublés d’isolant thermique, phonique, occultant si la porte d’entrée est vitrée par exemple. Il est tout à fait possible avec la confection sur mesure, de doubler le rideau en combinant un isolant thermique ainsi qu’un occultant. C’est le rideau multifonction : isolant thermique/phonique/occultant/esthétique (voir aussi article mai 2014 « rideaux occultant/rideaux thermiques).

 

rideaux portière rideaux porte d'entrée

 

rideaux portières rideau porte d'entrée

Rideaux occultant sur mesure

Rideaux occultant et stores occultant sur mesure

Rideaux thermiques et phoniques sur mesure

Les rideaux occultant et thermiques sont des rideaux classiques qui sont doublés de différents matériaux. Ils peuvent avoir plusieurs fonctions. Bien entendu leur premier avantage est d’empêcher la lumière d’entrer dans une pièce telle qu’une chambre ou une salle de cinéma. Le rideau occultant offre une obscurité totale, il permet de ne pas être gêné par la lumière du jour et des rayons du soleil.  Cependant, ils peuvent aussi avoir des propriétés d’isolation thermique, phonique, être résistant aux UV. Selon que vous choisissez de doubler le tissu de vos rideaux avec un occultant de qualité, avec de la satinette (coton fin) de la finette ou du molleton  ou autre isolant.

Le rideau occultant cousu sur mesure est plus qu’un simple rideau. Il peut vous protéger de la lumière mais aussi du froid et des bruits extérieurs. Idéal pour les chambres, pour protéger une porte d’entrée vitrée ou même encore pour des fenêtres vieillissantes.

Les rideaux doublés de finette ou de molleton offre un confort supplémentaire, avec une isolation thermique et surtout phonique. La pièce est feutrée, les bruits et les nuisances sonores extérieures sont assourdis, la pièce garde la chaleur ambiante l’hiver, réduit la chaleur venant de l’extérieur l’été. Grâce à sa doublure isolante thermique, le rideau occultant est très pratique pour combattre les petits courants d’airs des fenêtres et portes.

Si de surcroît, le tissu des rideaux isolant est choisi dans un tissu lourd et épais le confort sera optimal pour un visuel très cosy.

Les stores occultant sont bien pour obscurcir une pièce mais auront un faible pouvoir thermique et sonore.

rideaux occutant

stores occultant

 

 

Rideaux finition tapissière pour une décoration traditionnelle et classique

Pour la décoration d’intérieur de cette chambre les double-rideaux sur mesure ont été cousus main, façon tapissier. La tête tapissière à plis pincés double est fixe. Cette finition apporte un tombé des plis régulier néanmoins de façon libre.

double rideaux cousu main beatrice creations
 
Cette finition s’adapte bien aux tringles et au mobilier de cette pièce de style classique et provençal. L’habillage du lit de repos Louis XVI comporte également une réfection des housses du matelas et des coussins déhoussables assortis aux rideaux.
Il existe toute une gamme de tête tapissière : à plis pincés double, triple, à plis orgue, à plis creux, ou encore froncés avec application de galon … pour des rideaux uniques et une décoration d’intérieur personnalisée.

Voici le résultat d’une finition tapissière :

Décoration intérieur style tradionnel

Rideau Wave pour une finition design et contemporaine

Le choix de la tête de vos rideaux a une importance essentielle dans la mesure où elle restituera le style et l’environnement de la pièce : contemporaine, design ou classique, traditionnelle.

beatrice creations - couture ameublement - Voilage tête à vagues

 

Il existe différentes finitions pour la confection sur mesure de vos rideaux et de vos voilages :

1. La finition tête tapissière à plis flamands pour un style traditionnel, la tête sur ruban fronceur ou encore la tête « à vagues » pour une finition contemporaine, sobre, particulièrement adaptée aux larges baies vitrées et aux univers modernes. (Il y a aussi les têtes à nouettes, à pattes, à œillets que l’on trouve en prêt à poser).

2. La finition « tête wave » ou tête à vagues, produit des ondulations très régulières et homogènes sur l’ensemble du rideau, ce qui lui donne cette sobriété. Cette symétrie des vagues résulte de la technique et principalement de la tringle à rideaux.

Les plis du tissu sont uniformes et lors de la fermeture de votre rideau, les vagues se forment d’elles-mêmes de façon très régulière. Toutefois le rendu final proviendra de la qualité du tissu d’ameublement.

La finition Wave peut être réalisée dans des voiles comme dans du tissu pour double rideau de belle qualité pour un tombé souple et fluide afin que les vagues se mettent bien en place.

beatrice-creations---couture-ameublement---Rideaux-tête-vagues

Store bateau sur mesure pour une salle de bain

Décoration d’intérieur d’un appartement dans la principauté de Monaco.

Dans cette salle d’eau, le store bateau (ou américain) offre une atmosphère sobre et élégante. Il tamise la lumière et apportent une touche chaleureuse à la décoration contemporaine de la pièce.

Les stores pour fenêtre s’adaptent à tous les styles d’intérieurs. Les possibilités en termes de décoration sont très larges puisque avec la confection sur mesure de stores bateau vous pouvez choisir le tissu d’ameublement qui vous plaît : tissus de décoration d’intérieur, épais pour un store bateau occultant ou doublé, voilages ou voiles de lin.

Egalement, le store sur mesure intérieur est idéal pour dissimuler les caissons de volets roulants. Ce store pour véranda ou pergola convient aussi bien pour de grandes baies vitrées que pour des fenêtres coulissantes très larges avec peu de hauteur. Leurs finitions sont nombreuses: parements ou passementerie sur les côtés ou tout autour, association de tissus ou de voilages différents. Les stores se posent sur fenêtre ou au plafond.

Très faible encombrement pour ce store bateau design dont l’ouverture se fait par un plissage horizontal du tissu vers le haut, lors de son relevage vertical, par traction manuelle ou motorisée par un cordon ou une chaînette de relevage. Le choix du mécanisme du store bateau doit être de bonne qualité pour assurer sa longévité.

 

beatrice-creations-Store bateau Monaco